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Esto de internet y la blogosfera, tiene unas posibilidades enormes, y a veces te da sorpresas agradables. Sorpresas como que la gente te pueda conocer. Sorpresas como que podamos hablar tranquila y racionalmente sobre cosas que nos preocupan y que nos gustan como es el arte. Cosas que pasan.
He tenido el gusto de conocer…. Perdón, perdón…. He tenido el gusto de ser conocido por Marga Dirube, una pintora dispuesta a sacar y compartir parte de su proceso creativo, toda una suerte para los que nos preocupa esta cosa llamada arte.
Estamos manteniendo un debate, compartiendo diversos puntos de vista, argumentándolos, sobre la problemática del arte contemporáneo actual; así que emplazo esta serie dedicada al arte contemporáneo iniciada unos meses atrás, a su blog http://margadirube.wordpress.com/
Allí, nos vemos.
Continuando con este empeño personal de ayudar a entender un poco más el Arte Contemporáneo, voy a escribir un poco sobre las características del arte más actual, del arte de la segunda mitad del siglo XX.
En primer lugar hay que señalar que si algo le ha apasionado al ser humano desde siempre, eso ha sido el crear; lo que quizás le hacía ser y creerse superior a otros e incluso poderse comparar al mismo Dios, caso que pasó por ejemplo con Miguel Ángel. Y eso mismo pasa en esta segunda mitad del siglo XX, a pesar del posible desbarajuste que había en el mundo del arte con artistas, movimientos, tendencias y corrientes; el artista-creador necesita desarrollar su espíritu creativo, buscando un camino personal y único, en búsqueda de una trayectoria y oteando unos horizontes a veces ya vistos y otras por explorar. Por eso, las tendencias, escuelas y movimientos que habían vertebrado el arte de los siglos y años anteriores, no tienen su razón de ser; porque el arte, la creación, se convierten en algo totalmente personal. Por eso, a veces nos cuesta tanto comprender la obra de un artista, porque nos tenemos que poner en su lugar, ver cual ha sido su trayectoria hasta el momento, leer documentos que nos haya dejado, buscar bibliografía…
Otra característica de esta parte más actual de la historia del arte, es la ruptura de los soportes tradicionales, y de las disciplinas artísticas. Me explico. En general, cuando solemos explicar el arte que se desarrolla en un período tendemos (inadecuadamente) a reducirlo a arquitectura, escultura y pintura: las mal llamadas “Artes Mayores”. Pues bien, en este período, y en general en el siglo XX, debido al carácter creativo del artista del que hemos hablado antes, se buscan nuevas disciplinas, nuevos soportes donde expresarse, porque el arte es expresión. Se rompen los lienzos (ver foto abajo de cuadro de Millares), se acude al cuerpo humano, se busca el arte en los medios de comunicación, se hacen obras de arte en paisajes naturales, la arquitectura busca nuevas formas y materiales, el arte se alía con el cine y con los mass-media, se hacen instalaciones, performances y environments, se crean obras de arte que serán desmontadas y dejarán de existir como tales, también se buscará en los ordenadores y las nuevas tecnologías un campo enorme por abarcar… y también se continúa con las disciplinas con las que se venía trabajando (ver La Gran Vía de Antonio López abajo).
Los escarceos de los siglos pasados por hacer el arte al margen de la belleza, son ahora una realidad firme, un objetivo. Un paradigma de esta forma de crear, es el ya mencionado urinario de Duchamp. Los movimientos continuadores de esta filosofía creadora, por poner algún ejemplo son el Expresionismo Abstracto, el Minimal y el Arte Conceptual. En estos tres movimientos, lo importante es el proceso creativo: en el primero a través de impulsos, gestos espontáneos expresados con colores; en el segundo, nace como reacción al Expresionismo Abstracto y consiste en eliminar todas las cosas superfluas hasta dejar a la obra con su esencia; el tercero, el Arte Conceptual, es en realidad una forma de agrupar a ciertos artistas y obras, aboga por dar más importancia al proceso creativo que a la obra final.
Por lo tanto, y resumiendo este último apartado, contemplar una obra de arte “sin belleza” (y por muy objetiva que esta sea), es como comer una tostada sin mermelada. Ahora bien, no por ésto, la obra deja de ser arte; ni porque no nos guste, no quiere decir que no la valoremos, ni la demos la importancia que la obra pueda tener. A veces, debemos salir de nuestro papel, de nuestro yo, dejar de disfrutar y analizar, y reflexionar lo más friamente posible sobre lo que supuso esa obra en esa época; por lo que volvemos a lo comentado en el principio: lo difícil por lo trabajoso que es, indagar sobre las trayactorias de los artistas y sus obras de arte.
Y recordad: El arte reside en los ojos que lo ven y no en las manos de quien lo hace.
Lo habíamos dejado en: “El arte reside en los ojos que lo ven y no en las manos de quien lo hace”.
Aunque no me habeis hecho preguntas, intentaré responder lo que a mí me sugiere esta pregunta.
Pues está bien claro, que el objeto u obra o como lo queramos llamar, no es arte porque a un señor se le haya ocurrido hacerlo, sino porque a alguien (tú o yo o un museo) cree que eso es arte.
Y dirás, ¡pues vaya! ¿a quién se le habrá ocurrido ésto? ¿porqué es ésto así?
Como sabéis la historia del arte es larga y azarosa y sobre todo la de los últimos 150 años. Lo contaré de la forma más breve posible. El caso es que nuestros amigos los impresionistas (Monet, Renoir, Degas…) estaban hasta las narices de que les echaran del Salón Oficial de la Academia de París. Algo así como quien va a Tú si que vales o a Operación Trinfo y le echan siempre sabiendo que lo que haces vale. Pues lo mismo. Y entonces se organizaron y montaron su propio chiringuito en el estudio de un fotógrafo, donde enseñaban sus rompedoras, frescas y atrevidas pinturas al mundo entero; corría el año 1874.
Curiosamente si hoy estudiamos la historia de la pintura francesa del siglo XIX, en los libros de texto no aparecen los pintores académicos, sino estos revolucionarios de la pintura que hoy en día han pasado a la historia como genios.
Tanto su forma de hacer totalmente rupturista, como por la forma en la que se dieron a conocer, fueron un hito para la historia del arte de la posteridad, en la que nos encontramos hoy en día. El arte, la expresión, se saltaba los límites convencionales que le constreñían. El arte, dio un paso hacia su propia libertad, para que fuera valorado por lo que es y no por quien lo hace ni para quién lo hace.
Otro ejemplo del rupturismo que plantean los artistas es la famosa fuente de Marcel Duchamp. Vayamos por partes. En realidad, no era una fuente, sino un urinario de pared de los que podemos encontrar en cualquier establecimiento público para hacer nuestras necesidades. Creo que vais entendiendo lo del rupturismo ¿no? Yo creo que lo que pretende este ¿artista? es hacer pensar a los demás qué es arte y qué no. Pongámonos en la mentalidad de la sociedad francesa de 1917… pero, ¿qué es ésto?, ¿qué ordinariez?. ¿Hay algún objeto más repugnante que un urinario? ¿porqué escribe la fecha y lo firma? ¿porqué está colocado de esta forma? Veis por dónde van los tiros.
Un último ejemplo de esta evolución del arte hacia el arte actual podría ser Andy Warhol; seguro que os suena, el de las serigrafías de Marilyn Monroe de vivos y estridentes colores. Bueno, pues a este buen señor se le ocurrió en 1962 algo parecido a Marcel Duchamp. Pintó 32 latas de sopa idénticas a sus originales. La exposición era como ir al supermercado, todo lleno de latas de sopa. Algo totalmente cotidiano, era como si ahora pusieran una exposición toda de cajas de leche o de tomate frito. Warhol dijo: “un grupo de pintores ha llegado a la conclusión común de que las más banales e incluso vulgares trampas de la civilización moderna pueden, al transportarse al lienzo, convertirse en Arte”.
Pues de eso se trataba de que lo más banal, podía y de hecho fue considerado como arte.
Y así hemos llegado a nuestros días. Os podría poner algún ejemplo más, pero creo que estos tres son representativos de los pasos que ha ido dando esta multidisciplina hacia su ¿libertad?, ¿independencia?.
Continuaremos otro día, os dejo que penseis en nuestra frase:
El arte reside en los ojos que lo ven y no en las manos de quien lo hace.
Que aproveche.
Es hora de meterme en algún charco que otro y seguramente algunos de vosotros (o todos) no estéis de acuerdo conmigo; de eso se trata.
Para mí el arte contemporáneo puede ser todo y no ser nada.
Me explico, cualquier cosa puede ser arte, desde un lata de sardinas (con su olor, vacía, llena, a medias…), unos hierros “arrebujados” (torcidos, rectos, oxidados, limpios, de acero, de bronce, en el suelo, o suspendidos en el aire…), un lienzo (pintado, sin pintar, rasgado, monocromo, con perspectiva, naturalista, abstracto, con un retrato…), un audiovisual o una película (un documental, algo surrealista, hecho por ordenador…) e incluso un espacio puede ser una obra de arte.
A lo que os preguntaréis varias cosas: ¿Esto es Arte? ¿Todo es Arte? ¿Porqué está ésto en un museo o sala de exposiciones? ¿Me están tomando el pelo? e incluso os preguntaréis ¿Qué me quiere decir el “artista” o la “obra”?
Y creo que parte del gran fracaso del arte contemporáneo en nuestra sociedad está motivado porque ni los museos, ni los que estamos un poquito más cerca del arte y hemos respondido (a nuestra manera) estas preguntas, hemos sido capaces de ayudar a resolver a los demás esas preguntas u otras similares.
Yo lo intentaré a mi manera y ante este limitado foro que tengo delante.
Y como creo que esto va para largo, lo mejor es que vaya escribiendo de vez en cuando, así se hará mucho más liviano.
De momento os daré un pequeño aperitivo para que penséis un poco. ¡Vamos! mover un poco las neuronas, que no cuesta tanto!
“El arte reside en los ojos que lo ven y no en las manos de quien lo hace”
Últimos reflejos ajenos